Como hacer texturas, y dos ejercicios. Clase número 13.

Al comenzar la clase la profesora colocó en la mesa una serie de utensilios; tinta, un vaso y un pincel, cinta de carrocero, y diferentes tipos de soportes. Como papel ingres o papel seda.
Toda la clase rodeó a la profesora, mientras esta se disponía a explicar para que servía cada cosa.

Tras explicar como obtener diferentes texturas, nos mandó realizar dos ejercicios.

El primer ejercicio sería realizar la forma de un animal, con una diferente textura. Mientras que el segundo ejercicio sería realizar una forma natural, con su determinada textura.

Nos dejó un momento para realizarlos, y justo después nos puso un vídeo que trataba sobre este tema.
No recuerdo de que país trataba, pero si recuerdo que trataba de que en algún lugar, la naturaleza creaba texturas y formas extrañas, como un camino compuesto por piedras de forma hexagonal. Y de como de la unión de una serie de burbujas, estas podían llegar a cobrar formas hexagonales. Resultando la naturaleza, una gran organizadora del espacio.


Aquí tenéis las imágenes de ambos ejercicios que realicé:

Animal con diferente textura

Forma natural y su determinada textura

                                                                                                             
                                                                                      Jueves 27 de octubre del 2016.

La Textura. Broothaers, los límites del arte y otras cuestiones. Clase número 12.

Este martes 25 de octubre, comenzó la clase con un breve resumen sobre la exposición de Broothaers.
Comentando que redefinió la idea de museo, y renovó la idea de arte plástico, utilizando materiales fuera de lo común en sus obras.

Además, también pretendía quitar el arte del mercantilismo; lo hacía para la gente.

Si queréis más información sobre este autor y sus obras, todo ello se encuentra en una entrada anterior de mi blog: La exposición de broothaers.

Justo después, la profesora hizo unas breves disertaciones sobre unas obras de otros artistas, totalmente diferentes. Tratando "Los límites del arte".

Se trataba de la obra de un perro al que le dejaban de dar de comer, y se observaba como moría; y otra obra de una mujer que tenía abortos y los exponía como obras de arte.

Ambos casos eran el resumen de esta explicación: "Cuando le pones el título a algo, ves lo que pretende que veas, aunque pueda ser falso." Estos son los límites del arte.

Después de la disertación, la profesora dió paso a organizar como estructuraríamos las clases siguientes.

El jueves trataríamos la forma, mientras hoy daríamos la textura. Y la semana que viene tendríamos el examen de todo lo que hemos aprendido. Justo entonces me apunté que debería de mirar las entradas a los blogs y a la guía docente.

Se podrán traer móviles, tablets y apuntes. puesto que tratará de relacionar todo lo que hemos aprendido durante el curso. Composición, texturas, colores, leyes de gestalt... Todo ello tratandolo con madurez y siguiendo nuestras propias ideas y conclusiones.

Deberemos de traer acrílicos, papel de periódico, tijeras, el movil imprescindible, y un boli.

La evaluación de los blogs se hará en tres semanas. La última semana de noviembre el libro de color.

Y al final de curso veremos como preparar el curriculum y hacer un dosier. Además de la exposición de nuestro libro de color.

En cuarto lugar, la profesora nombró el libro del día: "Mundo subterráneo. Puertas secretas, ciudades submarinas y utopías bajo tierra " de varios autores.

Después comentamos la frase del día: "El valor es el carácter y el carácter es el destino".

Frase que nos venía al guante, justo después de ver todas las tareas que se nos venían encima.

Con esta frase enseguida se me vino a la cabeza la idea de que no debería de tener miedo al examen, ni al final de curso. Que lo iba llevando todo bien y al día, y que por eso, se iría marcando mi destino.

Continuó la clase, comenzando el tercer apartado más importante de la asignatura: LA TEXTURA.

En la primera diapositiva del tema, se podía observar el nombre del apartado: Protocolo de Interpretación de una Imagen Visual. La cual mostraba un índice:

1.Forma

2.Composición

3.Formato

4.Tamaño

5.Textura

6.Color

7.Iluminación

Y teniendo como objetivo:

-El análisis retórico, simbólico y la contextualización.

-Saber interpretar una imagen, y saber construirla.

El anterior índice, se trata los pasos que deberíamos seguir a la hora de analizar una imagen, relacionándola con su contexto y lo que pretende simbolizar.

Por lo que ya sabríamos interpretar una imagen, y sabríamos construir una nueva.

En la siguiente diapositiva se comienza a definir la textura y los tipos que hay:

La textura es la materia de la que está hecha un cuerpo. La superficie que percibimos de un cuerpo.

Aquello que necesitamos para percibir que es una forma.

  FORMA                               COLOR                              TEXTURA

TIPOS DE TEXTURAS:

Natural: Sensible al tacto

Visual: No corresponde la vista con lo que tocas

Artificial: Simula lo natural o crea una nueva textura.



Siguiente diapositiva. La experiencia del tacto nos permite diferenciar:

-Suave, áspero, caliente, frío, duro, blando, metálico, húmedo, seco y putrefacto.

Sin esta experiencia, no sabemos la propuesta de la imagen.

En la siguiente diapositiva, un ejemplo de estas experiencias, respecto a los tipos de texturas:

Textura visual: Lo que tocamos y vemos no corresponde.
Césped artificial.

Textura húmeda: Gotas de agua                              

Textura ficticia:  

"Bebe gigante" de Ron Mueck

Vemos un cuerpo, pero tocamos fibra de vidrio.

Después dimos paso a analizar un cartel publicitario de chanel, aunque no he encontrado esa imagen, traigo una muy similar:

Esta imagen se trata de una representación de una campaña publicitaria de chanel, en la que aparece a la derecha, una mujer de perfil, sujetando a la izquierda de la imagen, una barra de labios del color que lleva aplicado.
Se trata de una composición asimetrica, puesto que no muestra ninguna simetría. Ascendente, puesto que la linea de fuerza es una diagonal que va desde el principio de la mano, abajo a la izquierda, hasta el final de la cabeza, arriba a la derecha.
Por el espacio que ocupa, en la composición, da más importancia a los labios,que se encuentran en el centro, omitiendo datos como el pelo, o la continuación del brazo, y los ojos en la derecha, quedando en segundo plano.
 El grado de iconicidad que posee es el 4 de hiperrealismo, al ser una fotografía y representar fielmente la realidad.
La serie de texturas que podemos observar son suaves, secas y blandas, como la piel y los labios, contrastando con lo áspero, lo duro y frio de los pendientes.
Por lo tanto, en la imagen se pueden observar dos tipos de texturas: texturas naturales, puesto que la suavidad de los labios y piel, corresponde con la suavidad en la realidad. Y texturas artificiales, como la de las uñas y el brillo, o la de los pendientes, que crean una nueva textura.

Respecto a las leyes de la gestalt, aparece la ley de contraste sobre fondo, aunque no haya otra figura al fondo. La figura contrasta sobre el fondo gris claro.

Respecto a los colores, la imagen está compuesta entera de colores cálidos. Desde los tonos anaranjados de la piel, hasta los rojos de las uñas, los labios y la barra de labios. Estos últimos con mayor saturación. Destacándolos sobre el resto de la imagen.

A nivel representativo, anuncia una barra de labios. Mientras que a nivel simbólico representa unas connotaciones sexuales muy claras. Hablando de seducción y atracción en ese sentido. Se puede observar en la forma fálica del pintalabios, y la posición de la cara respecto a esta, representando el disfrute de la mujer.



En resumen, las texturas se pueden convertir en el elemento principal de una obra, explicando de lo que trata una imagen. Pudiendo jugar con ellas para conseguir nuestros propósitos.

Trabajo sobre la investigación de un color. 10ª y 11ª clase.

El martes 18 de octubre, mi cumpleaños, comenzamos las exposiciones de los trabajos que habíamos realizado durante el curso, y finalizamos el jueves 20. Nos tocó exponer el primer día.

Este trabajo trataba de la búsqueda de información sobre un color, y en un tiempo determinado, mis compañeros y yo tendríamos que elaborar diez apartados diferentes, y una diapositiva con cada uno de ellos. Nuestro color era el color plateado, o color cromo.

El primer apartado era buscar la etimología del nombre, de dónde viene. La segunda era buscar el significado de ese color en la cultura occidental. El tercer apartado, el significado con respecto a otras culturas.
En el cuarto apartado hablamos de la simbología de ese color, y en el quinto, de los alimentos de ese color. Ambos apartados los resolví yo.
En el sexto apartado hablamos de la peculiaridad de ese color. En septimo lugar, expusimos pinturas y esculturas de ese color. En el noveno lugar, marcas que lo usan. También, debíamos de encontrar un anuncio donde se utilizase este color. Pero este apartado no nos dio tiempo a resolverlo.

Por último elaboramos un trabajo artístico colaborativo, donde se veía desarrollado ese color, haciendo cada uno nuestra parte y luego juntando todas con los de nuestro grupo. 
Lo que hicimos nosotros fue,en una cartulina A2 negra, dividimos el papel en diagonales por las 4 esquinas, dando 4 triángulos y un rombo en el centro.
Lo hicimos un poco como metáfora de lo que significaba este color. En el centro representamos la figura de una bailarina, que trataba de la simpleza y elegancia del color, y de las vibraciones que nos transmite, como el baile.
En las cuatro esquinas restantes tratamos dos temas del simbolismo diferentes, el primer tema en las de arriba quisimos relacionar la imagen de una luna y a la derecha la imagen de un paisaje fantástico y tranquilo, por la solemnidad del color y su enlace con lo divino, tanto en las religiones como en la mayoría de culturas, por ese simil que se hace entre la luna y el plateado.
En la parte de abajo queríamos representar los temas de la codicia y el dinero, también simbólicos del plateado.

Todos los demás trabajos de los compañeros estuvieron bastante bien. Se trataron el rojo cadmio, el rojo carmín, el morado, el blanco, el marrón, el gris, el verde, el amarillo, el plateado, y el negro. Comentar que, según mi opinión, el trabajo colaborativo del blanco quedó muy bien y fue el que más me gustó de todos. Que el trabajo del negro fue el más curioso y entretenido. Que el mejor expuesto fue el del marrón, y que el peor expuesto fue el del verde.

Trabajo del negro

Trabajo del rosa

Trabajo del blanco

Pero que sin duda, todos ellos me hicieron aprender un poco más de información y simbolismo de los colores, algo bastante útil para los que hacemos bellas artes. Además de que fueron un par de clases muy entretenidas y divertidas.

Marcel Broodthaers. Segunda exposición del curso (obligatoria).

Marcel Broodthaers: "Una retrospectiva"

En el museo Reina Sofía, se encuentra actualmente una exposición temporal de Marcel Broodthaers titulada: "Una retrospectiva", que, como bien significa la palabra, nos mostró las increíbles obras de épocas anteriores, de este autor.

Antes de nada, me gustaría desarrollar brevemente la historia de este autor.



Marcel Broodthaers fue un poeta, cineasta y artista belga, nacido en 1924 y difunto en 1976, perteneciente a las corrientes del arte conceptual y del surrealismo.

En 1945 formó parte del Grupo Surrealista-Revolucionario, y trabajó en diversos proyectos de periodismo, cine y poesía.




Tras 20 años de dificultad económica, sobreviviendo como poeta, a finales de 1963 se convirtió en artista plástico.
Comenzó con su primera obra de yeso, en la cual hundió 50 copias sin vender de su libro de poesía.
Justo un año después, escribió su famoso prólogo para el catálogo de su primera exposición.
Comenzó el mundo del cine con su primera película en 1957, y en diez años elaboró más de 50 cortometrajes, como documentales, narrativa y estilos experimentales.

Tras ello, comenzó a trabajar con objetos encontrados, haciendo collage, incorporando el lenguaje a su arte o incorporando a sus obras objetos cotidianos, como cáscaras de huevo, mejillones, ropa o moviliario, e incluso reproducciones de obras de arte.


Tras una múltiple gama de obras y exposiciones, como curiosidad, falleció el día de su 52 cumpleaños en Alemania, por una enfermedad hepática. Y fue enterrado bajo una lápida que él mismo diseñó.









                                                       "UNA RETROSPECTIVA":

La exposición se encontraba en la primera planta del Reina Sofía, a lo largo de diferentes salas con sus obras, que marcaban la evolución del artista, o el conjunto de un determinado tipo de obras.

Nada más entrar en la primera sala, me quedé extrañada al observar un conjunto de obras, a las cuales no encontré sentido, en las que dominaban el yeso, cáscaras de huevo y cáscaras de mejillones.

"Primera sala"

Tras leer la información de los carteles, las obras fueron recobrando el sentido. Eran representaciones simbólicas de la vida. Por ejemplo, las obras de los huevos, que trataban de la metáfora de la vida como el huevo, y las relaciones familiares.

Continuando por las salas, me topé con una obra grande y llamativa, que me gustó mucho:
                                               
                                                    "Tableau et tabouret avec oeufs"

Dimensiones: 187x258cm.     Año: 1966

Esta obra es del período en el que, tras años de dedicación a la poesía, se inicia en las artes plásticas, y comienza a cuestionar la obra de arte como mercancía.

Además utiliza el dadaísmo y surrealismo, para representar el azar, la casualidad, el accidente.

También plantea el carácter efímero de la obra, y amplia lo visual tradicional mediante la inclusión de elementos cotidianos.

 La siguiente obra que me pareció preciosa y muy interesante, fue una obra titulada:

                                                     "Le probleme noir in Belgique".

Obra de 1963-1964, en la que aparece un fragmento del periódico en el que se observa la trágica noticia de bélgica, con una mancha negra y unos huevos negros pegados.

Esto representaba las preocupaciones del autor en la época, y la representación de esta obra como una simbólica protesta.

Continuando por la exposición, cambiando de sala, me topé con una obra que me pareció muy interesante por el tema que estamos dando de la gestalt. Significaba el vínculo que tenía el autor, con el mundo literario.

1966

Otra cosa que me interesó bastante, de otra sala, fue las obras y proyecciones. La relación entre arte y literatura.

"Objeto". Es el nombre de la proyección. Un corto de 16mm de 1968

Otra obra que me parece importante mencionar es esta:

"Le corbeau et le Renard" 1968

Litografía en marco de "Le corbeau et le Renard"

Posteriormente me topé con un perchero, titulado "María", de 1966, que me llamó mucho la atención, porque en esa época resultaba algo revolucionario introducir en el arte elementos cotidianos como puede ser una chaqueta.

Otra cosa que no esperaba encontrarme, fue un espejo en mitad de la sala.
Era de un aguila, el cual compró y puso en sus exposiciones. Este aguila lo usaba mucho en sus obras, vease en el nombre de su museo "Départment des Aigles", por su simbología de autoridad y soledad.

El espejo además mostraba sus obras y al espectador que las observa. Una imagen dentro de una imagen.

También me topé con una bonita sala con un proyector, donde exponía su poesía, de 1970.

Y faltaría mucho por comentar de este gran artista, pero como última obra que necesariamente tenía que añadir, observé un cuadro en el que se observaba a un general con un puro. Marcel compró el cuadro, y a este, le añadió un puro. Fue verlo y sacarme una sonrisa.

Por último, me gustaría comentar, esos objetos que me ha transmitido su arte.
Este no solo me ha hecho comprender el arte desde otro punto de vista, si no que me ha abierto la mente, me ha hecho ver como la creatividad está por encima de todo, como deja huella; y que a pesar de que te puedan llamar loco por poner unos huevos en un cuadro y pretender vivir del arte con ello, todo se puede si le pones empeño y ganas.

Marcel Broothaers, fue uno de los artistas que más ha influido en el arte conceptual. Desmercantilizó el arte y lo convirtió en un objeto cotidiano para todos, pero con unos conceptos e ideas que sobresalen de lo común.

Trabajo aplicando las leyes de la Gestalt. Novena clase.

Anteayer, jueves 13 de octubre, comenzamos un nuevo ejercicio, en el cual deberíamos de aplicar las leyes de la Gestalt dadas anteriormente, en una serie de composiciones.

Entre una variada gama de temas, el escogido por nuestro grupo fue el tema del dinero, relacionándolo con la comida. Además de las composiciones, deberíamos de presentar también un making off del proceso de su elaboración.

Al parecer, las composiciones debían de estar formadas por los miembros del grupo, un pequeño detalle que sin querer se nos olvidó completamente. Y aunque tratamos de repetir el ejercicio, no dio tiempo físico a realizarlo. Sin embargo, y a pesar de ello, se nos puede ver en los making off.

Utilizamos unas latas de pepsi, unas bolsas de patatas, unas barritas, y el cuaderno para apuntar las ideas que íbamos desarrollando.

Preparados, listos... ¡A componer!

Aquí os dejo las fotos de las composiciones, con su correspondiente making off:

"La teoría del todo"

En esta composición pretendíamos representar la ley del cierre. Puesto que tendemos a ver el plátano entero, aunque ya no lo sea.

Además, tratamos de representar el tema de como el capitalismo convierte fríamente los objetos más cotidianos en dinero. Pagamos con dinero, una comida que necesitamos, y las empresas obtienen un beneficio mayor.

"Comed de la copa"

En esta composición tratamos de aplicar la ley de la figura sobre fondo. Donde, aunque se vea una copa, hay dos caras comiendo de ella.

Con esta composición tratamos de representar de nuevo, la idea de como la gente necesita el dinero, más que otra cosa. Las caras representan a las personas, comiéndose el dinero. La copa simboliza la necesidad natural de beber agua, pero que al estar hecha de dinero, pierde completamente su significado.

"La Hoz y el Martillo"

En esta composición tratamos de representar la ley de la simplicidad, o de la buena forma.

Ya que el cerebro en vez de ver, un plátano, y monedas, observa la figura de una hoz y un martillo.

Tratamos de representar la ironía del comunismo, al tener que representarlo con comida y dinero.

"Subdivisión y tipos"

En esta composición tratamos de representar la ley de similitud, ya que nuestro cerebro tiende a agrupar los elementos que son iguales. Al igual que la sociedad, mediante tipos, razas, y en el centro de todo, el dinero.

"Capitalismo"

Esta es, sin duda, mi composición favorita.

En ella utilizando la ley de proximEsidad, tratamos de representar la idea principal de todo el tema, el capitalismo.

La pepsi plateada representa al pequeño porcentaje de ricos, mientras que las otras pepsis representan el gran porcentaje de gente, que vive a costa de estos.

Las leyes de la Gestalt. Octava clase.

Comenzó la clase un poco antes de que yo llegara. No habían dicho frase del día, simplemente me contaron que la profesora comenzó a explicar las leyes. Para mi sorpresa, era cierto.

Las leyes de la percepción se dieron gracias a tres grandes psicólogos, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka; quienes en un laboratorio de psicología experimental, observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades (Gestalts) de acuerdo con ciertas leyes.

Las leyes de la Gestalt, que se dividen en cinco:

Ley de figura sobre fondo:       

El conjunto figura-fondo constituye una totalidad (gestalt). 

La percepción funciona simplificando. Haciendo "recortes" en los que centramos la atención, las figuras. Otras zonas que quedan en un segundo plano, al que denominamos "fondo".Esto sucede por la anatomía del ojo, y que por nuestra retina, en su zona central, tiene una mayor cantidad de receptores que en la zona periférica, lo que ofrece una zona de mayor definición.
El fondo sostiene a la figura, por lo tanto los elementos del fondo están presentes en la percepción aunque nunca emerjan como figura.  

Ley de simplicidad (o de la buena forma): 

La mente prefiere ver un cubo,
en vez de una  figura defectuosa.

      El cerebro intenta organizar los elementos percibidos dela mejor manera con perspectiva, volumen,  profundidad, etc. De la forma más simple.

El cerebro prefiere las formas completas y estables. Rechaza lo inacabado o defectuoso. Completamos con la imaginación aquello que falta.

Esta ley de alguna manera involucra a otras leyes, ya que el cerebro prefiere también  formas cerradas, continuas, simétricas (ley del cierre; ley de la continuidad), con buen contraste (figura- fondo) es decir, nítidas, definidas. 

Ley del cierre:  

Las formas completas y acabadas son más estables, las incompletas o inacabadas nos provocan incomodidad, por lo que tendemos a cerrarlas con la imaginación.

Ley del contraste: 

Sin contraste no hay percepción. Si figura y fondo son del mismo color, no podré percibir la figura. Se tiende a unirlos elementos más próximos. Como en la ley anterior del cierre, y como en la siguiente de proximidad.

Ley de proximidad;   

Tendemos a unir unos elementos, con los que se encuentran a menor distancia.

Ley de la similaridad (o similitud):

 Tendemos a agrupar los elementos que son iguales. Como si fueran parte de un conjunto. Intentamos organizar "mapas" que nos orienten en un mundo que desconocemos.

Posteriormente, nos enseñó una imagen.
Esta imagen trataba de un hombre en postura orante, con las manos elevadas, donde dominaban los colores fríos, menos la piel.
Definimos su composición y hubo una discusión al respecto del ángulo desde el cual se había tomado la foto.
Unos la veían desde arriba, otros desde abajo, y otros desde ambas, como era mi caso.

Hicimos una prueba con mi compañero Victor, y finalmente comprendimos que estaba tomada desde abajo.

Más tarde, hablamos de una escultora, Louise Bourgeois,  y su enorme escultura de la araña. 



Tenía un grado de 3 en la escala de iconicidad, ya que se trata de una interpretación.










Justo después nos dispusimos a ver un vídeo que trataba de lo anterior, el tema de la Gestalt, y de que trataba. Aunque hubo algunos problemas con el audio.


En segundo lugar, después del vídeo, la profesora nos encomendó volver a analizar la composición del vídeo de los pájaros. Citado anteriormente en mi blog. Y en el cual teníamos que presentar la información resumida, tratando todo lo dado anteriormente. Grados de iconicidad, tipo de composición y leyes de la Gestalt.

Por último lugar, nos explicó de que trataría el trabajo que mandaría para el próximo día, hoy jueves.
Del cual hablaré en el siguiente post. ¡Hasta luego! 

Memorias de atelier II. Primera exposición del curso (obligatoria).

Este 6 de octubre, mis compañeros de clase y yo nos dispusimos a ir a esta magnífica inauguración de arte, realizada en el centro cultural Galileo, cerca de Moncloa.
Nos encontrábamos ante la apertura de una nueva exposición, llamada "Memorias de atelier".

   

El artista explicando. ( La chica de la derecha soy yo)

 

M. Angel López, el artista que desarrolló esta obra, nos explicó cómo trataba de sus recuerdos, plasmados a través de imágenes que desarrollaban un micromundo.

Sin duda, un mensaje muy poético, el cual, le vino inherente de sus recuerdos, de cuando era joven. Todos relacionados con el mundo de la costura.

Todas sus obras estaban realizadas en técnica seca de óleo. Donde se observaba una textura y elaboración muy detallada:

Esta última obra la fotografié, puesto que es sin duda, una de las que más me interesó. No solo por el juego de formas que le da a cinta, si no por el conjunto completo.
 El recuerdo en blanco y negro, el juego de formas dando a un micro mundo muy colorido, jugando también con las texturas y los volúmenes.

Transmite en su totalidad, una sensación de tranquilidad, de dulzura. Según mi punto de vista, inspira la humildad, entrelazada con unos dulces y llamativos sueños. Una realidad subjetiva entrelazada con una irrealidad que lleva al espectador a ese otro mundo soñado por el artista. Sencillamente fascinante.

Pero la inauguración no solo fue esto. Además, en el exterior, prepararon una mesa con bebidas y aperitivos. Y mientras disfrutábamos de la exposición, comíamos, bebíamos y charlábamos a gusto de las obras. Lo pasábamos bastante bien.
Disfruté mucho de aquella tarde la verdad. Me inspiró mucho a continuar en el mundo del arte, y a amarlo y respetarlo mucho más.

Aquí os dejo algunas de las fotos que nos hicimos:

Tres obras de arte en la exposición Galileo.

1º bbaa de la urjc, en la sala de la exposición