lunes, 5 de diciembre de 2016

El libro de color.

Como no, la última de las entradas, el trabajo de color. Quizás, al que le haya puesto más cariño de todos los que haya hecho hasta ahora.

Con una pincelada fuerte y suelta, se trataba de representar sentimientos, algo muy complicado y subjetivo, al ritmo y representando un poco la temática de las canciones, y lo que a la vez, en un momento dado, estas me llegaban a transmitir.

La música es vida, el arte trata de representar lo que el autor desea transmitir. Y con ello, doy paso al vídeo, a ver que os transmite a vosotros.

Es largo, pero en cualquier momento se puede adelantar. Me gustaría que vierais la mayoría de las partes, y que pensarais no solo en un trabajo en conjunto, si no en los posibles momentos en los que lo he desarrollado.

Enlace al drive para verlo completo con música:

https://drive.google.com/file/d/0B2nxhc1vhsNKOTRmcFBkWmgtM1E/view?usp=sharing





Momentos que os aconsejo:  1:57,        2:25,        3:05,         4:06,          5:56,           6:30,          7:05,    
 9:51,       13:00,        14:16,           17:57.


Mis cinco favoritos:       4:30 ,     9:07,      15:13,     16:08,       17:49



 *El audio es muy importante, pero lo han silenciado por derechos de autor.




jueves, 1 de diciembre de 2016

Un extraño examen sobre la guía docente. Clase nº 22.

Hoy, 1 de diciembre del 2016, mis compañeros y yo nos disponíamos a hacer un fascinante examen , hasta que nos dimos cuenta de que la profesora se había transformado en un profesor sustituto.
Este nos repartió un cuadernillo de dos hojas, cuatro caras, donde deberíamos de hacer una relación entre el blog y la guía docente.
Sí, y ya está. Este sería el último examen de la asignatura, el cual no supe realizar hasta pasados 15 minutos de las 2 horas de las que disponíamos.
No sabía por donde empezar, todo era tan amplio, y quería tratar tantas cosas...
Además, acostumbrada a los cuadriculados exámenes de 2º de bachillerato, estaba acostumbrada a que las respuestas fueran correctas o incorrectas, y no tan amplias como para tener que pasarme tanto tiempo estructurándolas.
Pese a ello, creo que me fue bastante bien. Sobre todo, más que crítica o analítica, relacioné los aspectos que para mí habían sido los de mayor importancia en la asignatura, intentando dar de todo una resolución con conclusiones positivas, puesto que por mi cabeza solo rondaba la idea de que con ello ya habría dado fin la asignatura, y que no volvería a tenerla nunca más.

Ahora escribiendo esto, siento una profunda pena, puesto que a pesar de haberme frustrado muchas veces con la asignatura mientras trataba lidiar con la cantidad de trabajos, no me daba cuenta de que todo ello se estaba acabando, en que todo ello tendría un final.
La divertida composición fotográfica del principio de curso que cambió mi forma de ver la composición, la divertida y curiosa exposición de atelier... Todo.

Y esque todo lo bueno acaba pronto, nada es para siempre. Y aunque me estaba gustando mucho, no ha sido hasta el final cuando he comprendido en lo mucho que la he disfrutado y en cuanto la voy a echar de menos.

Este lunes nos reuniremos en Aranjuez, como último día de clase, para correguir todos los libros de color de los compañeros, tanto los de Aranjuez, como los nuestros. Mientras disfrutamos de una breve despedida, con algo de picar.


Un saludo, se despide Cristina Guerrero Domingo. Alumna de 1º de bellas artes en la Universidad Rey Juan Carlos.








miércoles, 30 de noviembre de 2016

Comentando las clases siguientes, el trabajo voluntario y el fascinante documental. Clase nº 21.

Ayer, martes 29 de noviembre del 2016, la profesora comentaba con nosotros lo que serían las clases siguientes, la entrega del libro de color el lunes, y la posibilidad que tendríamos de subir nota mediante un trabajo.
Este trabajo sería un estudio en profundidad, de 10 páginas de extensión, sobre páginas web de artistas reconocidos. Analizando de forma crítica la elaboración de sus páginas web. Que plataformas han utilizado para darse a conocer, el estilo que utilizan, las pautas que ha utilizado...etc.
Todo ello a Times New Rouman, con interlineado sencillo, indicando el curso, el año, la asignatura, el título: "Investigación para subir nota"y el Índice. Indicando que la fecha de entrega sería el 12 de enero, día del examen final de la asignatura. Teniendo como valor 1 punto más sobre la nota.

También nos comentó que habría una exposición en la universidad sobre "El cuerpo y las emociones", del 25 al 27 de febrero, y en la cual podríamos participar de becarios y recibir unos créditos extra.

Y además nos comentó que ayer en la tarde, a las 17:30, en el aula de clase, nos pasáramos a ver los dossiers de los trabajos de los alumnos de 4º. Los cuales me parecieron muy curiosos y creativos, y aprendí que en un trabajo se necesita darle importancia a todos los elementos. Desde el tema en conjunto, hasta su formato o su presentación.


Posteriormente, la profesora nos puso un documental tanto interesante como enriquecedor, sobre la historia de los diversos tipos de arte contemporáneo, y conclusiones bastante críticas, que me animaron a continuar viéndolo en casa.
El nombre del documental es: "Arte y Sociedad", del canal Historia. Aquí tenéis el enlace.





En primer lugar trató sobre Hitler y el Arte fascista, el arte obrero en la unión soviética, y la contraposición del arte español de la época, donde el arte reflejaba la realidad de otra forma, como reflejaba el Guernica.

También trató el arte abstracto, el cual es difícil de comprender, puesto que nos hace pensar. Pero a la vez, los ves y te transportan a otro lugar. Como las obras de Montreal, donde refleja el deseo de unidad, además de esa pasión interna que le inspiraban esas formas cuadradas de las ventanas de los rascacielos.


Mientras la realidad se había vuelto neurótica, los expresionistas abstractos, representando lo positivo y lo negativo, buscaban el significado mediante sus obras.
Como un cuadro de enormes dimensiones que solo tenía el color rojo como protagonista, y el cual te lleva transporta directamente al vacío.

Los dos últimos temas, fascinantes de tratar, ya que más haya de los meros reflejos, vive el mundo interno, la esencia de las cosas, el mundo de los deseos, la pasión y lo subjetivo. Y es por ello que me gustó tanto el vídeo, y que la profesora lo compartiera con nosotros.







jueves, 24 de noviembre de 2016

En plena oscuridad. Un tipo de fotografía distinta. Clase nº 20.

En esta clase de hoy, 24 de noviembre del 2016,  reunimos toda la teoría impartida el día anterior en clase, para poder realizar una serie de prácticas con la cámara fotográfica, utilizando la luz como "pincel".

Vestidos de negro, y con las luces totalmente apagadas, la profesora pidió un voluntario, por lo que me presenté como modelo de ejemplo. Durante aproximadamente 30 segundos, tenía que hacer diferentes cambios de posición sentada en un banco. La profesora me indicaba mediante un "¡ya!",cuando tenía que cambiar de posición. Las posiciones eran dos, la primera tumbada, la segunda sentada con las piernas estiradas en la misma posición, poniendo una cara diferente.
En cada postura, ella encencía la cámara cuando cambiaba, y luego la apagaba.
Los resultados fueron bastante buenos, y en la foto se me observaba en el movimiento de levantarme, como una especie de "resurrección".

Habiendo terminado los ejercicios de ejemplo de la profesora, nos dividimos en grupos y comenzamos a hacer las fotografías. Estas fueron algunas de las imágenes de mi grupo, fotografiadas por  mi compañero Alberto Monreal:

"El ángel oscuro"


Mi compañero Alex Pérez se colocó para aparecer como un ángel con cuernos de diablo.

Por detrás de él, utilicé una linterna para realizar todas las formas.







"El feto"



Mi compañera Blanca, de colocó en la postura fetal, y me dispuse a iluminarla con una luz roja,
Después Eva Gómez, la rodeó con la luz blanca de una linterna.








"Tristeza, Furia, Alegría, Miedo y Asco."

Después se me ocurrió la idea de utilizar diferentes luces, para recrear los estados de ánimo basándonos en la película "Inside Out".

Mientras posaba moviéndome, y recreando las diferentes posturas, era iluminada por debajo, paso por paso, con los distintos colores por mis compañeras: Ana María Perez, Blanca Orzáez, Eva Gomez, Cristina Saiz y Mónica Hernandez.




Todos los componentes del grupo, al final de la clase. Yo me encuentro difuminada en el centro.



1º BBAA

Completamos la actividad con una foto grupal de toda la clase. De nuevo, aparezco un tanto difuminada situada en el centro. Esto era por la emoción del momento, la verdad que fue una clase muy divertida.



martes, 22 de noviembre de 2016

Luces y Sombras. Teoría de otro tipo de arte y Presupuestos. Clase nº 19.

Hoy martes 22 de noviembre, dio comienzo la clase con una breve disertación sobre el fuego, el cual esta caracterizado por romper la noche para poder ver en un espacio oscuro.
Pero junto con la luz, la sombra es muy importante. 


Al igual que el color, la textura, la composición o la perspectiva, la luz es uno de los grandes pilares de toda obra.

En cualquier momento de nuestra vida, observamos una iluminación determinada, ya que de lo contrario todo sería oscuridad. 

La iluminación puede envolver de infinitas formas condicionando el resultado final de una producción y, por consecuencia, nuestra percepción de la misma.


Eugenio Recuenco
Podemos observarlo en este gran autor citado por la profesora: "Eugenio Recuenco", distinguido por su peculiar tipo de iluminación que monta.
      
Nina Ricci por Eugenio Recuenco




























Se distinguen dos tipos de luz: la luz natural o la luz artificial. 

tipos de luz


 La segunda utiliza iluminación eléctrica, focos, velas, linternas, vengalas... Usamos recursos a diario, tanto para iluminar un objeto, como para crear poderosos efectos de claroscuro, destacando mucho lo deseado y dejando en penumbra el resto. 
Además, podemos diferenciar entre la luz continua y luz discontinua, como por ejemplo el flash de la cámara.

En contraposición encontramos la sombra, espacio al que no llega la luz. Lo que proyecta un cuerpo.
Los artistas occidentales solemos utilizar este recurso significativamente, como por ejemplo:


Fabricio Corneli
El cual fue bastante inspirador para mi, puesto que me motivó a probar cosas diferentes a la hora de realizar una obra. Y me impresionó bastante, al resultar tan innovador para mi, al salirse de las típicas obras de arte o fotografías que nos suelen impartir.


Rafael Lozano Hermmer



Francis Bacon


Después de la explicación, la profesora se dispuso a contarnos graciosas anécdotas que le habían sucedido con artistas, sobre la fotografía.


A continuación de las anécdotas, continuó la explicación de lo que haríamos el jueves con las cámaras fotográficas, y lo que deberíamos de tener en cuenta a la hora de realizar fotografías en la oscuridad. Teniendo en cuenta el diafragma, cuanto más cerrado, más enfoca, y que el estado perfecto suele ser el 8.


Por último, a unos pocos que nos quedamos, nos dio un extra de teoría sobre los presupuestos de las obras de arte y cómo calcularlos.

Las conclusiones que saqué de esto último fueron varias:

-En primer lugar, que debe de haber un equilibrio entre tres factores: Calidad / Precio / Creatividad

-.En segundo lugar, que el presupuesto final de una obra, al mercado o al coste, equivale al costo de todas las partidas, al beneficio que pretendo obtener, y a las horas dedicadas al proyecto, las cuales para un alumno de bellas artes serían de 20€/h.

-En tercer lugar, que nunca debemos de bajar el precio de nuestras obras, por razones obvias, ya que si en una exposición están a 200€, y en la calle las vendemos más baratas, los coleccionistas que las compraron en la exposición se sentirían timados, y podrían llegar a denunciarlo, y podrías meterte en un buen problema.

-En cuarto lugar, que el arte es el mercado de lujo de la autorealización.

-Y por último lugar, los descuentos que podríamos llegar a utilizar: Empleando un 10% departida, un 15% por volumen de compra, un 20% para museos e instituciones, y la suma o el descuento del IVA.


Una clase muy bastante útil, tanto por el aspecto creativo y estético de la luz y las sombras, como en la anterior clase, por los presupuestos y ese enfoque hacia el mundo laboral.



jueves, 17 de noviembre de 2016

Tamaños, formatos y marcos. El Dossier. Clase nº 18.

Hoy 17 de noviembre del 2016, una nueva clase de análisis da comienzo, como no, con el libro del día: "Zen En El Arte de Tiro Con Arco"  de Eugen Herrigel.


Un libro que, como bien dice María Jesús es de ‘’Artista para artista’’, tratando sobre la paciencia y la filosofía Zen.
Algo que a simple vista parece sencillo, pero cuyo proceso es verdaderamente complicado hasta llegar al nivel.

Además, también nos recomendó los textos de otros artistas como Agness Martin, o  Matisse y de nuevo el libro de Carl G.Jung El Hombre y Sus Simbolos.




Bueno, dejando a parte el tema de los libros, como bien dice el titulo del blog,  hoy dimos comienzo a un nuevo e interesante apartado; hablaremos del Formato y Marco. Algo verdaderamente importante e influyente en la obra final de un artista.



Comenzaré definiendo y comentando los términos.


El Tamaño: Son las dimensiones físicas de una obra (Largo x Alto x Ancho)
Pero, ¿Por qué es tan importante? Pues bien, sobre todo surgen 3 motivos:

-El Impacto psicológico. Cuanto más grande, más se impone.

-La Notoriedad social, que es la circunstancia de que algo sea muy conocido o fácilmente percibido.

-Y la Comodidad de manejo o de ubicación.




El Formato: Es la forma y la orientación de un soporte visual.

Puede estar separado por piezas, pero se refiere a la forma en su conjunto.

Como tipos, se dan sobre todo el formato retrato, vertical; y el formato paisaje, horizontal.




El Marco: Se trata de la peana que rodea la obra. 

  




Justo después, sin más dilación, comenzamos otro nuevo y curioso tema: Como realizar un Dossier.


Aunque yo ya había realizado algún que otro currículum, este tema me resultó de plena importancia, sobre todo para ir adentrándonos en materia e ir conociendo ya como funciona y se desarrolla el mundo del arte.

El Dossier es un documento que tiene como objetivo reunir la trayectoria profesional de un artista, o un trabajo en concreto.





Es nuestra presentación, se trata de la representación idea global de nosotros.










¿Para que sirve y que debemos de tener en cuenta?:


-Sirve para tener toda la documentación sobre nosotros organizada.

-Sirve para aprender

-Debe de tener personalidad y un diseño coherente con la obra que presenta.

-Debe de tener una pequeña y disimulada identificación nuestra en todas las páginas, para que se nos localice fácilmente.

-Debe de estar bien encuadernado.

-Deben de ponerse las fotos mejor hechas, y que mejor queden. Es preferible imágenes de buena calidad de obras normales, que imágenes de mala calidad de obras muy buenas.

-Debe de tener un gusto visual en conjunto (materiales y tipo de encuadernación). Cuidando los márgenes y paginando las hojas. Y textos en el mismo orden y con medidas parecidas (evitando lo caótico, con una estética).

-Los colores de la fuente utilizada deberían de ser sobrios, y como máximo grises a 80%, y aparecer en otro idioma importante, como el inglés, en otro color.

-Puede ser sencillo.

-A partir de 56 páginas se considera libro.

-Debe de haber pequeños detalles que en sí formen un conjunto.

-Y sobre todo, debe de estar registrado, con ISBN y registro en la propiedad intelectual.

Aquí nos dejo una útil dirección por si lo necesitáramos en algún momento:
C/Santa Catalina 6, Madrid. (Entre planta, derecha)

Y una tienda de impresión única: "Movol Colón".


¿Que debe tener un dossier?:

-Título
-Portada
-Un blog o página web del artista
-Una "dedicatoria", donde se incluirían dos frases que te resumen como artista: de quien eres o a quien representas, y que quieres conseguir.

-Páginas de cortesía
-Índice
-Indice de imágenes
-Presentación
-Presupuesto
-La Idea, el concepto y proceso del trabajo con subtítulos
-Texto del artista
-El curriculum o bio, con exposiciones individuales o colectivas, becas, premios y estancias.
Sin hablar del"Grasibar", adecuando las palabras para que quede de una mejor forma expuesto: "Espacios expositivos de los hermanos.."


Y así concluyó la primera explicación de cómo hacer nuestro primer dossier, que sin duda resultó de gran utilidad, y me hizo sentir un poquito más cerca del mundo laboral.


                                      


miércoles, 16 de noviembre de 2016

"Wabi-Sabi para artistas, diseñadores, poetas y filósofos." De Leonard Koren.

Datos básicos del autor


Leonard Koren nació en la ciudad de Nueva York en 1948, y se crió en Los Ángeles. En 1969, fue cofundador del Pelotón de Bellas Artes de Los Angeles, un grupo de pintura mural. Se graduó en arquitectura y planificación urbana en 1972. Y después trabajó como artista en Los Ángeles, donde su trabajo se centró en los ambientes de baño. En 1976, Koren fundó WET Magazine - un periódico dedicado al baño gourmet, que fue influyente en el desarrollo de la estética postmoderna.

En 1981, la revista WET dejó de publicarse, y Koren se trasladó a Japón, donde escribió varios trabajos sobre estética. De 1983 a 1986 produjo una columna sobre Antropología Cultural para una revista japonesa. En particular, Koren escribió Wabi-Sabi para Artistas, Diseñadores, Poetas y Filósofos, lo que ayudó a traer el concepto japonés de Wabi-Sabi a la teoría estética occidental.



¿Por que elegí este libro?

El jueves 29 de septiembre, la profesora citó este libro, el cual me resultó bastante interesante. En principio, me estaba leyendo el de gramática visual de Christian Leborg, pero algo cambió en mi, algo me decía que estaba destinada a leer este libro de Leonard Koren.
Y esque echando un vistazo a entradas antiguas de mi blog, me di cuenta de que el libro que realmente me interesaba para leer era este. El por qué es muy sencillo de responder.
A parte de ser un libro sencillo y bastante breve de leer, me resultó llamativo el tema de otra forma de belleza, otro punto de vista desde otra cultura totalmente diferente. Además de que me enganchó en las primeras páginas, como comentaré más adelante.
Aquí os dejo la entrada en la que Maria Jesús comentó el libro, y donde se puede ver como me llamó la atención:  Wabi-sabi, libertad de expresión y un examen. Quinta clase.





Capitulos

-Introducción

Historia y Otras Consideraciones

-Una historia de Ofuscación
-Una Definición Provisional
-Una Comparación con la Modernidad
-Una Breve Historia

El Universo Wabi-Sabi


-Esquema
-Las Bases Metafísicas del Wabi-Sabi
-Los valores espirituales del Wabi-Sabi
-El Estado Mental Wabi-Sabi
-Los Preceptos Morales del Wabi-Sabi




Resumen de este libro

En este libro se trata el tema del Wabi-Sabi, concepto prácticamente inherente de la cultura japonesa, relacionado con el arte Zen y proveniente de la tradición milenaria de la ceremonia del té.
Un concepto difícil de definir a nivel intelectual entre los japoneses, pero el cual el autor define como una aproximación a lo rustico, referente a su simpleza, a lo no sofisticado, con formas irregulares y rugosas.

Wabi-Sabi resulta un concepto difícil de definir,  puesto que no hay libros ni profesores que lo enseñen. Pocos japoneses saben definirlo.
Como acercamiento, trata la belleza de las cosas imperfectas, mudables e incompletas. Es la belleza de las cosas modestas y humildes. Es la belleza de las cosas no convencionales, rehuyendo el materialismo, el recargamiento pulido, colectivo y convencional.
La definición más próxima sería lo rústico, lo primitivo. No por utilizarse de forma figurativa o simbólica, si no por ser objetos toscos, simples, sin pretensiones, y hechos a partir de materiales naturales. Wabi significa lo espiritual, interno y subjetivo, mientras Sabi significa lo material, lo externo y objetivo. Cuya riqueza espiritual se trata de la aislación voluntaria y la pobreza.

El concepto de wabi-sabi es una parte vital de la propiedad intelectual del iemoto, que no podía darse a conocer sino era a cambio de dinero o favores, por la creencia de la necesidad del mantenimiento de sus cualidades misteriosas, que lo convierten en singular, y al contrario que en la estética, la razón no está subordinada a la percepción.

Está sociado con el budismo Zen por sus aspectos espirituales y filosóficos anti-racionalistas, ignorando las formas de mirar y de pensar convencionales, siendo el centro de su metafísica "la nada", de la misma manera que en el Zen, y su paso de forma oral, de pensamiento a pensamiento.

Está relacionado con la modernidad por su relación con el hombre y su reacción a la época, sin embargo, este se usa en el ámbito privado, con una visión intuitiva, una verdad relativa, y orientado al presente (no al futuro), mirando y utilizando lo natural.

Alcanzó su máxima expresión en la ceremonia del té, lugar donde los guerreros buscaban y creaban alianzas políticas y celebraban las victorias en las batallas, hasta convertirse en una forma social de arte que combinaba la mayoría de la artes. Rikyu en el siglo XVI, llevó el wabi-sabi a su punto álgido, con una considerable experimentación con los objetos, el espacio arquitectónico y el ritual en sí mismo. Creando un nuevo tipo de pabellón basado en la choza, paredes toscas de barro, techo de paja, y estructuras de madera irregular. Unos cien años después de su muerte, se redujo y empaquetó en un conjunto de normas y dichos.  Convirtiéndose en su opuesto: llamativo, pulido y suntuoso, manteniéndose solo en las escuelas de té reglamentadas. Por esta razón, el autor decidió investigar sobre el tema.
Para alcanzar el Wabi-Sabi, se debe de aceptar lo inevitable, la soledad y la mortalidad, además de tomar un punto de vista donde hay un más allá de lo que nuestros sentidos pueden percibir.
Siendo sus preceptos morales el desprendimiento de lo innecesario y el núcleo de lo humilde; y sus principales cualidades el proceso natural, el intimismo, lo irregular, la carencia de pretensiones (no ambición), lo tosco y lo turbio.



Postulados que defiende

Defiende las ideas de antirracionalismo, de simpleza, de irregularidad y de humildad. La innecesidad de la ambición, mayor problema de la sociedad, el cual tiende a jerarquizarlo todo.
Siendo la naturaleza su mayor foco de expresividad.




Mi opinión personal. ¿Por qué recomendaría este libro?


Este libro me ha resultado muy enriquecedor tanto a niveles prácticos como ideológicos. Me ha ayudado a comprender un poco más los ideales de la cultura japonesa Zen, y a sumergirme en el mundo de la simpleza de las ideas, a un mundo radicalmente diferente a la ideología convencional actual.
También me ha resultado de gran entretenimiento, y me ha despertado un interés en lo humilde y en lo caótico. Me ha hecho pensar, obtener otros puntos diferentes de vista, complementar mi forma de desarrollarme como artista y me ha animado a crear cosas diferentes y a adoptar otros puntos de vista.

Sinceramente me ha fascinado bastante, y por todo ello sería un libro bastante recomendable para aquellas personas que quieran llevar sus pensamientos a otro nivel de comprensión y que quieran diferenciar sus ideas de las ideas comunes estipuladas en la cultura occidental.






martes, 15 de noviembre de 2016

La segunda parte del examen. Clase nº 17.

Hoy, a 15/11/16, ha dado comienzo la segunda parte del examen parcial de análisis.

Este se dividió en dos partes; la evaluación entre compañeros de los ejercicios de la primera parte, y del ejercicio de realización de un juego a base de colores y texturas anteriormente vistas, el cual luego nos tocaría exponer.

Mis compañeros exponiendo su juego, "el colorsutra"

En primer lugar, la profesora nos explicó como deberíamos de evaluar los ejercicios de los compañeros.
Primero, deberíamos de formar grupos de cinco personas, después ella nos repartiría cinco ejercicios de otros compañeros, cada uno identificado por un símbolo.

Después, deberíamos atender a cinco cuestiones a la hora de evaluar: Exactitud de los colores, los primarios y los secundarios con los que ha sido creado, el proceso y la presentación.

Teniendo en cuenta estas cinco cuestiones, corregiríamos los ejercicios uno por uno. Primero individualmente los cinco, y posteriormente la nota grupal. Esto fue simple ya que hicimos la media ejercicio por ejercicio de las notas que habíamos puesto.

Esta actividad a día de hoy tiene mucha polémica, puesto que ¿quiénes somos nosotros para judgar el trabajo del otro compañero? Pero a la vez, supone algo bastante justo, puesto que no atiende solo a la evaluación de un profesor, si no que es una nota puesta entre varias personas que han mirado y judga tu trabajo.
En parte me parece bien, en parte me parece mal. Pero algo que está claro es que entre nosotros vamos a ser bastante buenos, y nos va a dar una buena lección de vida. Ya que en un futuro próximo tendremos que realizar actos similares en el trabajo, lidiando conjuntamente con cuestiones éticas y morales.


Tratando ya del otro ejercicio del examen, en 30 minutos que quedaban de clase, nos dispusimos a realizar un trabajo en conjunto, en el cual, deberíamos de desarrollar un juego de mesa, 3D, o lo que nos pareciera, en respecto a los temas anteriormente tratados, utilizando los colores y las texturas.




En este, mi grupo y yo tuvimos la idea de realizar algo similar al conocido juego de la Oca, sin embargo, diferenciándolo en las casillas, las fichas y la meta.












En un tablero realizado mediante dos cartulinas A3 unidas, de forma que sea plegable; el objetivo, la meta, sería conseguir llegar hasta la última casilla del tablero, donde se encuentra un gorrión anidando sus huevos. Los cuales hay que conseguir, pasando por las casillas, divididas en casillas buenas y casillas malas.

Las casillas buenas te hacen avanzar 3 o 4 casillas más, o, en el caso del rio, pasar a la línea de arriba. Pero cuidado, también hay una cascada, un zoológico, un desierto y un volcán.
La cascada te hace retroceder a la fila de abajo, el zoológico es como la carcel, donde te tiras 4 turnos sin tirar; el desierto convierte 4 tiradas en la mitad del número que salga, y el volcán te devuelve a la casilla del inicio.


¿Por que todas estas casillas? Bien, mis compañeros y yo decidimos ambientarlo en una secuencia de cuatro ecosistemas, agua, selva, desierto y humanos. Puesto que las fichas serían de animales con cada uno su particular super poder.

La fichas serían:  El gato, poseedor de tres vidas.  El camaleón, invisible para la casilla del zoológico.  El halcón, sobrevolador del volcán.  La serpiente, inmune al veneno de la contaminación de los humanos. Y el caballo, que velozmente sobre pasa el desierto, inmune a su efecto divisor de las tiradas.

La idea surgió por la frase: "De complementario a complementario y tiro por que me como el canario".

Denominamos el juego con un nombre simple, pegadizo, (aunque un tanto plagioso): "EL OCARIO".




jueves, 10 de noviembre de 2016

El segundo examen, primera parte. Clase nº 16.

La clase comenzó con la explicación de Maria Jesús de como iba a ser el examen. Primero nos explico como tenía que ser la primera parte; recortar 12 colores de una revista y reproducirlos al lado con la leyenda de los colores utilizados para la mezcla, todo en el A3 que pidió que trajeramos.
Y nada más comenzar el examen nos puso música, "Somebody then you use to know" de Gotye, preciosa. Luego ya la música se fue degenerando, menos el final, que nos puso Queen.

Volviendo al tema, la música me pareció muy buena idea, ya que sirvió para relajarnos y para aumentar nuestra creatividad. Además, yo iba con muchos nervios, pensando que iba a ser más difícil, pero considero que al final me salió bastante bien, además de que me gustó bastante la idea.
A persar de ello, no se si definir esto como algu bueno o malo, pero me pareció un examen bastante estándar, respecto a lo que yo esperaba.

 De todas formas, hoy jueves 10 de noviembre, solo ha dado comienzo la primera parte, y quien sabe si la otra será mucho más difícil. Solo me cabe esperar una cosa; quien estudia, aprueba. Esperemos que salga bien.

Aquí os dejo la primera parte del examen, que no nos dio tiempo a acabar. Me falta el segundo ejercicio, añadir los complementarios.



Mi cara de examen si que es una obra de arte.


CANTERA en Tabacalera. Cuarta exposición del curso (obligatoria).



Este martes 8 de noviembre, estuve en una exposición bastante peculiar, que presentaba Jose Carlos Rivera, en el edificio Tabacalera.







Tabacalera, la Antigua Fábrica de Tabacos de Madrid, es un edificio gestionado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte desde el año 2003, que se encuentra al lado del metro de Embajadores.



Comenzaré explicando mis sensaciones, desde que entré a la exposición, hasta que salí de ella.

Nos situamos en la entrada del edificio y nos disponemos a entrar a la exposición.

Siguiendo todo recto, subimos las escaleras de la entrada y pasamos las puertas de cristal, a la derecha nos encontramos a la recepcionista.

Me dispongo a preguntarle dónde podía encontrar la exposición "Cantera" que estaba buscando. La señorita me dice que volviendo a la entrada, a mano izquierda la tenía.

Me dirijo hacia allí y encuentro la puerta. Lo había visto de pasada, pero no pude imaginar ni por un momento que fuera aquella la exposición. Parecía una sala sin hacer, que estaba en obras.

Continuando mi curso, entro en la sala, y a mi izquierda observo esto:





Y lo primero que se me pasó por la cabeza fue: "¿Aquí vive un bagabundo?", pero el siguiente pensamiento me recordó que el arte intenta transmitir un mensaje, una sensación. Y quizás ese primer pensamiento, era de lo que iría la exposición, un reflejo de la realidad. Esto suena ahora bastante bien, pero al principio no tenía nada lo suficientemente claro. La organización resultaba bastante caótica, y hasta que no le das vueltas y lo estructuras en la cabeza, nada parece tener sentido. Es la magia de buscarle sentido al arte conceptual.


Continuando por la sala, justo al lado, había una mesa con unas hojas de opinión, y unas pinturas, pegada a una pared llena de pintarrajos; mensajes que iba añadiento la gente que pasaba a la exposición.
Al principio a esto tampoco le veía el sentido, me resultó bastante impactante, al ser la primera exposición que veo de este estilo.

Continué por la sala, en el centro había una vitrina, y luego cuento otra tontería que me resulto impactante.
Si continuabas caminando de frente, había otro espacio, donde se encontraban objetos cotidianos, pero colocados de una forma un tanto peculiar.

A la derecha, en la pared, se encontraban colgados unos cascos rosas, y unos pantalones. En la pared del fondo había una aspiradora, y a la izquierda, oculto por una columna, se encontraba una televisión con lo que parecía ser una secuencia de un videojuego bastante perturbadora. En esta secuencia se podía observar algo que más tarde trata el autor en otras habitaciones, el concepto de hombre que plantea la sociedad. 
En el videojuego se podía observar un hombre cambiando de salas, primero observando aun conjunto de hombres idénticos semidesnudos, y en la siguiente sala a si mismo cayendo al suelo y haciendo aspavientos, una mezcla entre un baile caótico, y un intento de levantarse.

No comprendería que es lo que intentaba transmitir hasta que viera los baños. Ahora más adelante los comentare. Aquí podéis observar la secuencia:











En la misma habitación, pasando el muro que había al fondo, donde se encontraba el aspirador, encontramos una proyección en el suelo, donde salía un video que se veía en el ordenador que había al fondo. En este vídeo se veía la vida cotidiana en una cola, que finalmente llevaba al ikea.
A la izquierda había un conjunto de botellas de cristal que recogían en su interior agua de lluvia de diferentes zonas de Madrid, diferenciadas con leves tonalidades distintas, unas más rojizas y otras más a verdadas. Esto representaba, según mi punto de vista, algo así como que en el mundo hay suficientes cosas que no somos capaces de ver, ni de aprovechar.

Pasando ya a la otra sala, se observaba esto:




Justo en el centro, una ristra de lavabos. (Sigo sin saber si esto formaba parte de la sala o de la exposición)

A la izquierda se podían observar tres puertas abiertas, las cuales daban a estos tres baños. Cada uno de un color. 

El primer baño estaba compuesto por una serie de imágenes de un hombre desnudo, pellizcandose la piel en las zonas de la tripa y el brazo. También se observaba un muñeco.


Primer baño, azul. "El cuerpo"

El segundo baño estaba compuesto por una serie de objetos. Tres trozos de plástico con la forma de unas barbas, en cada esquina del cuarto. Unos dibujos sujetos con pinzas de la ropa a la derecha, y justo en el centro, como se puede observar, un cuadro que contiene una camisa del Springfield manchada de café.


Segundo baño, amarillo. "Estereotipos pegados"

El tercer baño no le pude fotografiar, pero su color esta vez era el rojo, y en el se encontraban una serie de objetos pegados con cinta aislante, pero con mucha mayor cantidad de esta que en el anterior. De hecho, parecñia que los objetos se fundían en las paredes de cinta aislante. La mayoría de objetos se trataban de muñecos, coches de juguete, y en mitad del baño un balón de funbol desinflado. A este también lo he titulado "Estereotipos pegados".

Y esque analizándolo, comprendí que trataba, como comenté antes, del hombre que plantea la sociedad. Un hombre que debe de ser de una forma (azul), vestir de una manera determinada (amarillo), y tener una serie de aficiones comunes (rojo).

Esto sin duda es lo que más me llamó la atención de toda la exposición, y lo que más me gustó. Esto me hizo empezar a comprender de verdad por donde iban los tiros, cuál era realmente el mensaje que quería representar el artista.

Tras el baño rojo, había otro pequeño habitáculo, una sala pequeña y oscura, llena de trocitos de goma espuma, el que se usa en el interior de los paquetes de embalaje. Todos ellos distribuidos por el suelo, formando una gran montaña. 
Si nos adentrábamos un poco más hacia dentro, a la izquierda nos encontrábamos un ordenador que mostraba una página de pornografía. Esto me impactó bastante. Lo primero que se me pasó por la cabeza fue: "¿El guarda de seguridad se ha dejado sin querer la sesión abierta? Pero me di cuenta al instante de que formaba parte una vez más del mensaje en conjunto. Una vida encerrado en una caja, con tu mundo dentro.


"La caja de pornografía"

Ya tan solo me falta comentar el último recorrido, donde al final de la sala de los lavabos se podía observar una vitrina iluminada que mostraba los recortes de un mapa. Y por último la última sala, pero no la menos importante:



Donde trataba de mezclar una habitación japonesa (cuya parte no se puede observar en la imagen) junto con una habitación occidental. Separada por un mar de piezas que parecen un rompecabezas. Aquí dejo que le encontréis vuestras propias conclusiones.

Por último comentar, que al terminar la exposición, y volviendo hacia la salida, me gustaría comentar la tontería con la vitrina.
Antes de salir me interesó leer que ponía dentro de la vitrina, pero no me quería apoyar en ella por eso de que en las exposiciones no se toca nada. Aun así me salté las reglas, ya que ví un cartelito verde encima, en una de las esquinas de la vitrina que ponía "Tirar para abrir", y me transmitió tanta curiosidad que no pude resistirme.
Fui a apartar el cartelito, se cayó dentro. Mi cabeza dio un salto bien grande. Inocente de mi, acababa de descubrir que no había cristal de arriba, que estaba abierta y que contenía agua en el interior.
Dentro también había unas hojas en las que no me había fijado, en las que ponía cosas tipo: "Esto no es arte" o "Lo importante es que te haya sacado una sonrisa".
Y con esto, efectivamente, me fui muy feliz a mi casa, y muy orgullosa de haber presenciado esta exposición.

Como conclusión decir, que en mi opinión, todo ello es una alegoría a la sociedad actual. Sin ponerse desde un punto de vista positivo o negativo, solo transmitiendo las cosas más crudas de la realidad. Una realidad caótica (como estaba organizada la sala), una realidad materialista (videojuego, cascos de música, video de la gente comprando en el ikea, las botellas de agua embotelladas), una realidad donde hay que seguir unos estándares y unos ideales (como el de género, los baños), una realidad llena de ordenadores, que distorsionan y nos evaden de la realidad con videos, videojuegos o pornografía.



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Continuando con la forma, clase número 15. Los tipos de forma.

En esta clase tratamos los siete tipos de onda que podemos encontrar en la naturaleza, además de las interesantes obras de una serie de artistas actuales, y un ejercicio.

En la naturaleza podemos encontrar 7 tipos de formas distintas:




La Onda:
  
Una de las formas que más se repite en la naturaleza.







El Ángulo:
  El cual concentra la fuerza en una punta. Es la forma que que penetra con más facilidad. (mal pensados)







El Hexágono:
  
Se encuentra de una serie de esferas sometidas a presión, cubriendo una superficie con el mayor rendimiento.






La Fractal:
  
Son aquellas formas que llegan a los lugares más recónditos. Llena el espacio con continuidad, se repite, de forma ininterrumpida.







La Parábola Es la sección transversal de un cono.









La Hélice:
  Es una forma que posee gran capacidad de agarre.











La Espiral:
  
Es aquella forma que surge cuando algo no tiene espacio para crecer. Algo que se repliega en sí mismo.






Tras esta breve explicación, dimos paso a ver las obras de una serie de artistas modernos:




Martin Chirino: Es un artista que a día de hoy trabaja con la espiral.









Gordon Matta-Clark, "El artista que cortaba con la morosierra" 





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Orlan: Es una artista cuya obra desarroya en su propio cuerpo, mediante cirugía estética en sí misma.










Nicola Costantino: Es una artista cuya obra resulta en su mayoría un tanto inquietante.
Tallaba fetos y creó el abrigo de piel de pezón. 









Ana Laura Lae: Hace el vaciado de una vagina.
(Cada cual más raro y extravagante.)





Andy goldsworthy: Hace land art. Preciosas obras, la verdad que este me gusto mucho.


















Después de citar a los artistas, un compañero explicó una duda que le rondaba a la profesora, sobre si había caracoles con la espiral de su caracola con el giro hacia la izquierda.
Efectivamente hay, pero solo se encuentra una especie en el mundo, nos explicó, y el tipo de caracola se llama sinestrógila. Posteriormente pasó por la clase y nos enseñó la caracola.

Entonces nos intentó poner un documental que se llamaba "El código de las formas", pero como otra de las veces,el audio no funcionaba correctamente, y tuvimos que abortar misión.

Fue por ello que, tuvimos que desarrollar un ejercicio antes de irnos, en el cual, debíamos de hacer dos dibujos. Un dibujo del hueco que deja algo, la marca; y otro dibujo de una forma subjetiva.